Analizando el surgimiento de los géneros musicales a lo largo de la historia se pueden observar dos patrones: el avance tecnológico o la evolución de los instrumentos y la fusión de géneros para crear uno nuevo. En el primer caso tenemos como ejemplos la reducción de todos los instrumentos de percusión conformando la batería, la electrificación de los instrumentos de cuerda o la evolución de la amplificación de los mismos. En el segundo, la fusión del blues y el country, que dieron lugar al rock & roll, o la unión del rock con la música sinfónica, que hizo surgir el rock sinfónico. Incluso el reguetón es una fusión entre el ritmo de la cumbia con los alaridos de supuestos seres humanos con problemas de dicción (incluso algunos con claros problemas cognitivos). El fenómeno de la fusión es claramente visible en la evolución del jazz, dando lugar a nuevos géneros como la fusión latina (unión del jazz con música cubana, la calinda o el fandango), la bossa nova (fruto de mezclar música afrobrasileña tradicional con el jazz), el jazz funk (caracterizado por la fusión entre el jazz y el funk, soul y el rhythm and blues) o el jazz rock. Este último es llamativo por muchos artistas de jazz o de sus subgéneros consideran que el rock es un estilo menor (algo similar a la relación entre la ópera y la zarzuela). Frank Sinatra llegó a afirmar sobre el rock lo siguiente: “El rock and roll huele a falso e impostado. Es compuesto y cantado por cretinos y matones… es la música de guerra de cada delincuente con patillas que anda por la faz de la Tierra. Es la forma de expresión más brutal, fea, desesperada y perversa que he tenido la desgracia de escuchar”1. También es célebre la cita de Buddy Miles (uno de los baterías de jazz más importantes de la historia) y que es recogida en la excelente película “Whiplash”: “Si no tienes habilidad terminarás tocando en una banda de rock”. A pesar de este trato despectivo al rock desde los músicos de jazz, muchos intérpretes de jazz decidieron unir los dos géneros, dando lugar a uno nuevo. Uno de estos pioneros en el jazz rock es el protagonista de esta entrada, alguien que traspasó todas las fronteras entre dichos géneros, incluso añadiendo elementos de la música india o el flamenco.
John McLaughlin nació el 4 de enero de 1942 en Doncaster (Yorkshire del Oeste, Inglaterra) en el seno de una familia de músicos, su madre era concertista de violín. Cursó estudios de violín y piano desde niño y a los 11 años se interesó por la guitarra, con la que exploró terrenos que iban desde el flamenco al jazz o swing de Django Reinhardt y Stéphane Grappelli. Se trasladó a Londres a principios de la década de los 60 para iniciar su carrera musical, formando parte de Marzipan Twisters (la banda de Alexis Korner) y de Georgie Fame And The Blue Flames. En 1963 entraría a formar parte de lo que en la actualidad se consideraría un súper grupo2, Graham Bond Organization. Esta banda estaba compuesta por Ginger Baker a la batería, Jack Bruce al contrabajo, Graham Bond al teclado y órgano3 y el propio McLaughlin a la guitarra. La Graham Bond Organization tocaba una gama ecléctica de géneros musicales, como el bebop, el blues y el rhythm and blues. Durante mediados de los 60 John también ejerció de músico de sesión, algo que no le resultaba agradable (en aquellos tiempos, muchos músicos antes de emprender una carrera dentro de una banda o en solitario ejercían esta profesión). Ese trabajo le valió para mejorar de manera exponencial su forma de tocar. Incluso en aquella época ejerció de profesor de otro futuro músico de sesión y posteriormente leyenda de las seis cuerdas, un joven Jimmy Page4. No sería hasta 1969 que McLaughlin no grabaría su primer álbum en solitario. Este sería “Extrapolation”, destacando en él John Surman al saxo y Tony Oxley a la batería. Ese mismo año decidió transladarse a Estados Unidos para formar parte de The Tony Williams Lifetime. Durante este periodo, John coincidiría en estudio con Jimi Hendrix, dando lugar a una jam session desde las 2 hasta las 8 de la mañana. La sesión quedó registrada, convirtiéndose en un disco muy cotizado y prácticamente imposible de conseguir en nuestros días. Tras sus primeros días al otro lado del Atlántico formaría parte de la banda de Miles Davis, participando en la grabación de “In a Silent Way”, “Bitches Brew” (considerado el primer disco de jazz fusión con el rock), “Live-Evil”, “On The Corner”, “Big Fun”, “Go Ahead John” (donde aparecería ya como solista) y “A Tribute To Jack Johnson”. Todos estos discos hicieron que su reputación como músico de sesión creciera como la espuma, lo que le llevó a ser acompañante de Larry Coryell, Joe Farrell, Gil Evans o los mismísimos The Rolling Stones.
A pesar de sus colaboraciones como músico de sesión, seguiría desarrollando su carrera en solitario, grabando en 1970 “Devotion”, un álbum de fusión psicodélica (ni el jazz fusión se libró de la fiebre de la psicodelia a finales de los 60). El disco fue grabado junto a Larry Young al órgano (que había sido su compañero en The Tony Williams Lifetime), Billy Rich al bajo y Buddy Miles a la batería (que fue parte de The Band Of Gypsys, el proyecto de Hendrix después de The Jimi Hendrix Experience). Al año siguiente publicó su tercer disco, “My Goals’s Beyond”, una compilación de trabajos acústicos. La cara A del álbum se componía de dos temas (“Peace One” y “Peace Two”), creando una fusión entre el jazz y música tradicional india, mientras que la cara opuesta era una interpretación melódica sobre estándares como “Goodbye Pork Pie Hat” de Charles Mingus (el propio McLaughlin le considera una de sus mayores influencias). El álbum estaba dedicado a Sri Chinmoy, uno de los maestros espirituales hinduistas que tan en boga estaban en aquella época. Debido a su influencia, John decidió adoptar el nombre de Mahavishnu. A raíz de este hecho, decidió formar Mahavishnu Orchestra, siendo uno de los pioneros en el jazz fusión, junto al violinista Jerry Goodman, al teclista Jan Hammer, al bajista Rick Laid y al batería Billy Cobham. Su estilo consistiría en una música técnicamente difícil y compleja que unía el jazz eléctrico y el rock con influencias orientales e indias. La forma de tocar de McLaughlin en esta nueva aventura se caracterizaba por sus rápidos solos y sus escalas musicales no occidentales5. En 1973 colaboraría con Carlos Santana, que también era discípulo de Sri Chinmoy, en un álbum de canciones devocionales, “Love Devotion Surrender”, incluyendo composiciones del maestro John Coltrane, entre ellas su clásico “A Love Supreme”.
En 1975 formaría la banda de fusión Shakti, basada en la música clásica india. McLaughlin ya llevaba varios años estudiando este género y tocando la mohan vina. El grupo estaba compuesto por L. Shankar al violín, Zakir Hussain a la tabla india, Vikky Vinayakram al ghatam y Rammad Raghavan al mridangam. Grabarían 3 discos: “Shakti With John McLaughlin” en 1975, “A Handful Of Beauty” en 1976 y “Natural Elements” en 1977. Basados en los estilos carnáticos e indostánico, el grupo dio a conocer los ragas y la percusión india a muchos aficionados al jazz6. En 1978 grabaría el álbum “Johnny McLaughlin: Electric Guitarrist”, título que figuraba en sus primeras tarjetas de visita cuando era adolescente en Yorkshire. Se trataba de un disco de retorno a la fusión del jazz con el rock más convencional y al instrumento eléctrico después de 3 años tocando en acústico. Ese mismo año apareció también en el disco “School Days” de Stanley Clarke (leyenda del bajo dentro del jazz, funk y fusión).
En 1979 sería parte de dos bandas efímeras. Primero montó el trío de fusión funk llamado Trio Of Doom junto con el batería Tony Williams y el bajista Jaco Pastorius (posiblemente el bajista más importante de la historía). Su única actuación fue el 3 de marzo de 1979 en el Havana Jam Festival, celebrado entre el 2 y 4 de marzo como parte de una visita a Cuba patrocinada por el Departamento de Estado estadounidense. Unos días más tarde, concretamente el 8 de marzo, grabarían las canciones compuestas para la actuación en los estudios Columbia de Nueva York en la calle 52. Su segundo proyecto fue One Truth Band, junto a L. Shankar al violín, Stu Goldberg al teclado, Fernando Saunders al bajo y Tony Smith a la batería, con los que grabarían el álbum “Electric Dreams”. Después de estos dos proyectos puntuales se juntaría con el maestro Paco de Lucía (el mejor guitarrista que haya dado nuestro país con diferencia) y el guitarrista de jazz Larry Coryell, aunque fue sustituido a finales de 1980 por Al Di Meola. El nombre de esta peculiar banda sería The Guitar Trio. Grabaron en 1981 “Friday Night In San Francisco”, disco alucinante donde se suma el talento de 3 auténticos maestros de maestros de las 6 cuerdas. Posteriormente en 1983 grabarían el álbum “Passion, Grace & Fire”. Durante 1981 y 1982 McLaughlin formaría una banda con músicos franceses y estadounidenses llamada The Translators, registrando los álbumes “Belo Horizonte” y “Music Spoke Here”. Entre 1984 y 1987 volvería a trabajar bajo el nombre de Mahavishnu (en esta ocasión omitiendo el “Orchestra” del nombre). Con un formato de quinteto eléctrico, grabarían “Mahavishnu” y “Adventure In Radioland”. En estos discos se introdujo por primera vez el uso de un sintetizador Synclavier y una guitarra con controladora MIDI Roland7. En este periodo también trabajó en formato trío junto al bajista Jonas Hellborg y el percusionista Trilok Gurtu (maestro de la percusión india y una de las figuras más importantes de la tabla india).
En 1990 compuso “The Mediterranean Concerto” orquestado por Michael Gibbs. El estreno mundial fue protagonizado con McLaughlin y la Orquesta Filarmónica de Los Ángeles (aunque se grabó con la Orquesta Sinfónica de Londres). A diferencia de lo que es habitual en la música clásica, el concierto incluía secciones en las que McLaughlin improvisaba8. En el comienzo de la década de los 90 formaría John McLaughlin Trio junto a Trilok Gurtu y Dominique Di Piazza, realizando la gira “Qué Alegría”. En 1993 publicaría un álbum homenaje a Bill Evans titulado “Time Remembered: John McLaughlin Plays Bill Evans”, volviendo John a utilizar guitarras acústicas y siendo respaldado por las guitarras acústicas del Cuarteto Alghetta y el bajo acústico de Yan Maresz. En 1996 nuevamente se reuniría con Paco de Lucía y Al Di Meola para una gira mundial, quedando registrada en el disco “The Guitar Trio”. En 2003 grabó la música para el ballet “Thieves And Poets” y un vídeo de 3 DVDs sobre improvisación titulado “This Is The Way I Do It”, siendo uno de los primeros en editar videos didácticos. En 2006 publicó el álbum de fusión “Industrial Zen”, donde continuaría experimentando con los nuevos sintetizadores que salían al mercado. En 2007 editaría un nuevo DVD didáctico, “The Gateway To Rhythm”, junto con el percusionista indio Selva Ganesh Vinayakram, centrado en el sistema rítmico indio de konnakol. Ese mismo año remasterizó y publicó el proyecto archivado de Trio Of Doom. En su momento la edición fue abortada debido a los conflictos entre Williams y Pastorius, así como la insatisfacción mutua que les produjo la actuación. En 2007 participaría en el Crossroad Guitar Festival9 en Bridgeview, Illinois. En 2008 realizaría una gira junto a otras grandes figuras del jazz fusión como Chick Corea, Vinnie Colaiuta, Kenny Garret y Christian McBride bajo el nombre de Five Peace Band, de la que salió un álbum homónimo doble a principios de 2009.
En 2010 Jeff Beck dijo que McLaughlin nos ha mostrado varias facetas diferentes de la guitarra y que ha introducido a miles de personas a la música del mundo, al mezclar la música india con el jazz y la clásica. Por si esto fuera poco, le definió como probablemente el mejor guitarrista vivo (que esto lo diga Jeff Beck, que a su vez ha sido denominado como el guitarrista perfecto dice mucho sobre el talento y la calidad de John como guitarrista y músico). Muchas veces es citado como influencia de otros grandes guitarristas de la historia como son Steve Morse (Kansas y Deep Purple), Eric Johnson, Mike Stern, Al Di Meola y Scott Henderson. Otros guitarristas cuyo estilo no tiene nada que ver con el jazz fusión también hablan de su influencia como, por ejemplo, Omar Rodriguez-López de The Mars Volta o Ben Weinman de The Dillinger Escape Plan. En palabras de otro genio de la música como Chick Corea: “lo que John McLaughlin hizo con la guitarra eléctrica puso al mundo de cabeza. Nadie había oído nunca una guitarra eléctrica tocada así, y ciertamente me inspiró. La banda de John, más que mi experiencia con Miles Davis, me llevó a querer subir el volumen y escribir música más dramática y que te pusiera los pelos de punta”. Para los más profanos del jazz fusión Chick Corea fue otros de los pioneros del mismo junto con su teclado, tanto en su carrera en solitario como con la banda Return To Forever (otra de las bandas que recomiendo encarecidamente escuchar).
Para finalizar y a modo de curiosidad, McLaughlin no suele aparecer encabezando las absurdas listas de los mejores guitarristas de la historia, mientras en ellas aparecen Kirk Hammet o Kurt Cobain. No sé si se produce por ignorancia de los que crean dichas listas u obedece a algún criterio comercial pero, desde luego, anteponer a cualquiera de estos tipos a McLaughlin (e incluso muchos otros) representa una falta de gusto e ignorancia musical.
- Suerte tuvo Sinatra de no haber llegado a escuchar el aberrante reguetón, porque encaja perfectamente con esa descripción. Al menos los cantantes de rock and roll son capaces de vocalizar y entonar correctamente, cosa que, a día de hoy, es prácticamente imposible decir sobre los supuestos cantantes de reguetón. ↩
- Un súper grupo es la formación de varios músicos que han tenido fama respecto a grupos anteriores o a nivel individual. Un ejemplo de súper grupo puede ser Them Crooked Vultures, formado por Dave Grohl (batería de Nirvana), John Paul Jones (bajista de Led Zeppelin) y Josh Homme (guitarrista de Kyuss o guitarrista y cantante de Queens Of The Stone Age). Una de las primeras bandas en tener esta consideración fue Cream con Jack Bruce al bajo, Ginger Baker a la batería y Eric Clapton a la guitarra y voz. Mucha gente considera que el “malo” del grupo era Eric Clapton, lo que nos da una idea del increíble talento que se había juntado bajo un mismo nombre. ↩
- Graham Bond es una de las figuras más minusvaloradas del primigenio rhythm and blues británico, y en algún momento será protagonista de este blog. ↩
- Jimmy Page guarda una estrecha relación con el primer éxito de una banda española en el mundo. El tema “Black Is Black” de Los Bravos fue grabado en Londres. Según las leyes laborales de la época, cualquier grabación en suelo británico por parte de artistas extranjeros debía cumplir un cupo de músicos locales. Esto derivó en que tan solo Mike Kennedy grabó su parte del tema (evidentemente porque era la voz del conjunto) y el resto fueron músicos de sesión. En concreto Jimmy Page se encargó de grabar la guitarra. ↩
- Las escalas occidentales proceden de la Grecia clásica. Están formadas por 3 notas mayores (tónica o fundamental de la escala, el cuarto y el quinto grado de la misma) y 4 menores (las restantes notas). En otras escalas no tiene por qué ser así. Por ejemplo, las escalas utilizadas en flamenco, con influencia de la música arábiga, cuentan con 4 notas mayores (tónica, tercer, cuarto y quinto grado). A alguien que no esté acostumbrado al flamenco le puede sonar disonante que el tercer grado sea mayor, ya que en toda la tradición musical occidental es menor. ↩
- En estos discos McLaughlin utilizó una guitarra acústica Gibson J-200 modificada. La guitarra presentaba dos niveles de cuerdas sobre la boca: la convencional de 6 cuerdas y otras 7 encordadas por debajo en un ángulo de 45 grados. Se trataba de cuerdas simpáticas afinables de forma independiente, similares a las de un sitar o una vina. El diapasón festoneado del instrumento le permitía doblar las cuerdas mucho más allá del alcance de un diapasón convencional. Se acostumbró tanto a la libertad que le proporcionaba, que decidió festonear el diapasón de su guitarra eléctrica Gibson Byrdland (una del os modelos más clásicos y caros de Gibson dentro del jazz, en la actualidad una Byrdland nueva tiene un precio alrededor de los 10000 euros). ↩
- La tecnología MIDI estaba naciendo en los 80. Consiste en que, con un instrumento cualquiera, se registran pulsaciones y estas son procesadas posteriormente por el procesador MIDI que hace que suene un instrumento distinto. Por ejemplo, lo habitual es utilizar un teclado para grabar los eventos MIDI y posteriormente asignarle el sonido de arreglos de orquesta, o de piano, pudiendo elegir entre infinidad de modelos de piano u órganos eléctricos. Esta tecnología es en parte el inicio de la música electrónica, ya que con ella se puede emular el sonido de prácticamente cualquier instrumento de forma virtual sin disponer del mismo físicamente. ↩
- Hay dos chistes sobre músicos que pueden ilustrar perfectamente la situación: ¿Cómo haces llorar a un músico de clásica? Quitándole la partitura. ¿Cómo haces llorar a un músico de rock? Dándole una partitura. ↩
- El Crossroad Guitar Festival es una serie de festivales benéficos organizados por Eric Clapton. El propósito de estos es recaudar dinero para el Crossroads Centre, un centro de tratamiento de adicciones en Antigua, fundado por el propio Clapton. A lo largo de los años, en estos festivales se juntan los mejores artistas del mundo, ofreciendo actuaciones con todos ellos mezclados e interpretando en la mayoría de las veces los grandes clásicos del blues y el rock. Este es la mejor oportunidad que existe para ver a los mejores músicos del planeta sobre un mismo escenario en un solo festival. ↩
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